The Queen of Holland, Beatrice, on April 30, abdicated in favor of his son, the future King William Alexander. The traditional national holiday became the occasion for a series of initiatives in and outside the Netherlands. In order to involve the citizens of Rome to Dutch festivity, the Embassy of the Netherlands, in collaboration with “Roma Capitale” and Holland Flower Council  organized a compelling “Orange Flowers Festival”. Rome celebrated the new Dutch King William Alexander with a colorful ceremony which took place on Capitol Hill. Two models dressed in clothes entirely composed of fresh flowers offered to the Mayor of Rome a sparkling and unique flower arrangement consisting of different types of orange flowers.The event served to highlight two areas of excellence of Dutch economy: floriculture and fashion & design.


Abbadia San Salvatore, on Amiata Mount (Siena area, Tuscany, Italy) is a place rich of art and history… 


In Abbadia San Salvatore, on Amiata MountSiena area, Tuscany, Italy – there is a magical and capturing place. You find it on the ancient abbey church. It is a crypt, where you may breath the history and the beauty of one of the most fascinating Tuscany village.

According the documents, the crypt was built in VIII Century. It was restored in XX Century and now we may admire it in all its beauty. Everytime I have the way to visit it, I always feel astonished by its magic. It happened again a few days ago, when I was in Abbadia SS. for the XIII edition of “Penne and Video Sconosciuti”, the national festival for school journals and videos produced by italian schools.

The Longobard crypt shows 32 columns that form 13 small aisles. They are made in various shapes; some of them are round, with different sculpured ornaments. Also the beautiful capitals are sculptured in various shapes, as palm leaves, loto flowers or animal heads.


The abbey and all the Medieval centreare telling us how Abbadia San Salvatore was important in the past. All its area is rich in history and traditions, that to a great extent can be found in documents in the old archive belonging to the monastery dedicated to the Saviour at Amiata Mount. The archive contains many references to the importance and power of the abbey, but little or no reference is made to the early Medieval history of the surrounding land and area, or about the people who used to live there.

The castle of Abbadia is first mentioned in a document dating to 1203, which shows that the community was came under the aegis of a communal hierarchy headed by a Podestà, under the political control of Orvieto. A few years later, the strenght and power of this communal organization are described in the “bill of freedom” (“carta delle libertà”) granted in 1212 to communal chancellors by the Abbot of the San Salvatore monastery.

The pattern of settlements in the area of Abbadia was defined around the mid-XII Century, when under the pressure of external threats, the local population, up until then scattered over the surrounding countryside, came together within one large fortified settlement.


This Benedectine monastery was founded by Erfo, a Longobard nobleman, in the VIII Century, under King Astolfo, and it was dedicated to the Saviour, which was typical of that people and in the tradition of christian religion. It rose on the east side of Amiata Mount in order to reclaim the surrounding woods and forests. It also overlooked the Via Francigena, running through the Paglia Valley.

The imperial abbey greatly developed in the Carolingian period thanks to Charlemagne‘s and Ludovick‘s confirmation of its landed propertues and privileges, Around the year 1000, under Abbot Winizo, it increased its power by acquiring new territories. The church and the crypt were rebuilt in 1036. In 1228 the monastery passed to the Cistercians. It was suppressed by grand-duke Pietro Leopoldo in 1782 and re-opened later.


In the year 1087, a certain Miciarello and his wife Gualdrada made a donation in favour of the monastery of St Saviour. Below the donation document, the notary Ranieri signed three verses, commonly known as “Cartula Amiatina” (“The Amiata Footnote”). This extemporary poem represents to linguists the first voice of vernacular coming from Tuscany. That is, the first expressions recording the evolution of the Italian language.

But this is not the only important document about Amiata History. Till XIX Century, the monastery hosted the famous “Bibbia Amiatina”“The Amiata Bible” – which is considered the oldest latin version ever known. The Amiata Bible – a real art masterpiece, written by amanuensis monks – is now kept in Florence, but we may see a photo-reproduction in the Monastery Museum.

The historical centre is a well kept fortress-village, where you may walk through incredible narrow streets and squares, all built with the local grey stone. You may admire the Servadio Theatre (1873), a tiny but fascinating place. It was built thanks to the initiative of the Carli and Gragnoli families; it is dedicated to Giacomo Servadio (XIX Century) a Florentine member of Italian Parliament, banker, musician and theatre producer. Between the end of XIX Century and the beginning of the XX, the building was the seat of a friendly Society of the workers of Abbadia, where in XIX Century quicksilver mines began their activities, now closed and presented in a museum.




 Massimo Lallai, so attentive to the world of communications and medias, sent me some interesting considerations about my artworks “Lacer/actions”. I’m glad to share them on this page.

I read your brochure “Lacer/actions – Pics of torn (publi)city” and your experience reminded me that recently I supported an examination whose title was “The City ‘s Writing”. It was concerned about historical and economic development of Latin American cities, particularly Buenos Aires, Mexico City, Lima and Havana, and the way they were portrayed in literature.

I read several works by authors who recreated those cities in their books (in physical and socio-cultural terms) and some of them speak and analyze popular forms of art such as graffiti or wall paintings in Mexico City or in La Havana, where those drawings and “signs” really works as advertisings for restaurants, bars and food shops; others authors analyze other forms of written expressions on the walls, called “Las Maras” by local street gangs.

In fact, with your “Lacer/actions” artworks, you too are acting as a “voice of the city” because every lacerations is typical of a certain place and culture. I’m not only speaking about showing written words artworks but, above all, about the colors pictures. They are really beautiful! My compliments again! “





 L’amico Massimo Lallai, persona attenta a tutto ciò che è e fa comunicazione, mi ha inviato alcune sue riflessioni sui miei artworks “Lacer/actions”. Sono considerazioni molto interessanti, che voglio condividere con voi.

“Ho letto il tuo opuscolo “Lacer/azioni – Fermi-immagine sulla (pubbli)città strappata” e la tua esperienza mi ha riportato alla mente un esame sostenuto da poco il cui titolo era “La scrittura della cittá”. Trattava dello sviluppo storico ed economico delle metropoli latinoamericane, ed in particolare di Buenos Aires, Cittá del Messico, Lima e La Habana e del modo in cui queste venivano rappresentate nella letteratura.

Lessi diverse opere di autori che ricreavano tali metropoli nei loro libri (sia dal punto di vista fisico e socioculturale) e alcuni di loro parlano e analizzano forme popolari di pittura come per esempio i graffiti di Cittá de Messico o i dipinti murari che fungono, a La Habana, da vere e proprie “insegne” pubblicitarie per ristoranti, bar o negozi di articoli alimentari; altri analizzano altre forme di espressione come le scritte murarie delle bande di strada chiamate Las Maras.
In effetti anche tu, con le “Lacer/azioni”, fungi da “voce delle cittá” anche perché ogni lacerazione é tipica di un certo luogo, della sua cultura e non parlo solo delle lacerazioni che mostrano delle scritte ma anche, e soprattutto, dei colori. Sono veramente belle… ancora complimenti!”






This year the open-air exhibition of sun shades is dedicated to the 150th anniversary of the Unity of Italy, with works created by Tonino Guerra and produced by the craft’s workshop “Bottega Pascucci” in Gambettola.


Before the introduction of sun umbrellas, big rectangular tents were hung on wooden poles stuck in the sand, in order to give shelter to tourists on the beach. Thanks to the intuition of Nobel Prize Dario Fo, these sunshades have become big canvas for painting on, giving life to a real open air art exhibition in an unusual and at the same time enchanting scenery.
Each year, in Cesenatico (Riviera Adriatica, Italy) the open-air exhibition of sun shades is dedicated to the works of a different artist: the first was
Dario Fo (1998), followed by Tono Zancanaro (2000), Emanuele Luzzati (2001), Bruno Munari (2003) and Federico Fellini (2006).

This edition – an opening ceremony was held on Friday 8th of July at 5.30pm on the beach of Piazza Costa – is dedicated to the 150th anniversary of the Unity of Italy, with works created by the Master Tonino Guerra realized by the craft’s workshop “Bottega Pascucci” of Gambettola.

The sunshades in the past were the typical furniture on the whole beach of Cesenatico. Visitors and tourists have the possibility to admire them and relax themselves under the pleasant shadow.

For informations and hotel reservations please contact:

Viale Roma, 112 – 47042 Cesenatico (FC) – tel. + 39 0547/673287 –
800 556 900 – fax + 39 0547/673288



Con una dedica speciale al 150° anniversario dell’Unità Nazionale Tonino Guerra ritorna protagonista delle ‘Tende al mare’ di Cesenatico, dopo il clamoroso successo ottenuto un’estate fa dalle sue coloratissime Poesie nel sole.

Viva l’Italia: questo è il titolo del ciclo figurativo ispirato all’epopea risorgimentale ed alle imprese garibaldine, appositamente preparato dal celebre artista di Santarcangelo per la manifestazione cesenaticense, giunta quest’anno alla sua quattordicesima edizione.

Le immagini, che accolgono con festa e ironia i simboli della nostra storia, sono quelle oramai iconiche della vicenda artistica di Guerra, scaturite dall’inesauribile, eclettico estro di un artista capace di esaltare, in qualunque suo gesto, la bellezza nascosta nelle cose che ci circondano e nei luoghi del nostro vivere. E’dunque nell’unità di una bellezza diffusa che l’omaggio di Tonino Guerra alla storia patria trova la sua piena espressione a Cesenatico.

Le venti ‘tende tricolori’, che dall’ 8 luglio verranno quotidianamente issate nel centralissimo tratto di arenile, fra il Grand Hotel ed il Grattacielo, sono state ideate e disegnate da Guerra e realizzate dalla Stamperia Pascucci di Gambettola, in un perfetto connubio di arte ed artigianato.

Le tecniche tradizionali della stampa a mano della bottega Pascucci e il tocco di unicità dato dalla pittura, coniugati all’inventiva ed alla creatività di Guerra, fanno di questi manufatti dei veri e propri, inimitabili oggetti artistici, che rievocano i caratteristici ‘ripari dal sole’ delle spiagge romagnole, da tempo scomparsi e sostituiti dai più normali ombrelloni ed altri arredi balneari.

Le “Tende al mare” sono nate nel 1998, su iniziativa del Comune di Cesenatico e dell’Istituto regionale per i beni culturali, in occasione della mostra dedicata a Dario Fo e a Franca Rame, rinnovandosi poi di anno in anno grazie all’apporto di noti artisti e di giovani studenti delle più rinomate accademie italiane.

All’odierna edizione hanno collaborato l’Associazione «Tonino Guerra» di Pennabilli, l’«Antica Stamperia Pascucci» di Gambettola e, come negli anni passati, la Cooperativa Bagnini di Cesenatico.

Durante tutto il periodo della scenografica installazione ‘ a mare’ di Viva l’Italia, sarà possibile visitare una mostra di studi e bozzetti originali di Tonino Guerra allestita nella sala ‘La Legnaia’ di Casa Moretti.


Drawing helps us to think, invent and communicate”: that’s the message of “Campaign for Drawing”, an UK association based in London area. People of every age involved in two activities: Big Draw (in october) and Power Drawing.



The Campaign for Drawing has one aim: to get everyone drawing! Why? Drawing helps us to think, invent and communicate – regardless of age and ability. The Campaign took its initial inspiration in UK from the visionary Victorian artist and writer, John Ruskin.


Two Programs. The Campaign for Drawing is an independent charity which raises the profile of drawing as a tool for thought, creativity, social and cultural engagement. It has developed two programmes to encourage the use of drawing by professionals and others: The Big Draw and Power Drawing.

As Sue Grayson and Eileen Adams, of CfD, say to me: “The Campaign has created a new regard for the value of drawing to help people see, think, invent and take action. Its long-term ambition is to change the way drawing is perceived by educationalists and the public.” This has won support from leading practitioners in the creative industries and in art, architecture and design colleges, signalling an overdue realisation that drawing is fundamental to the training of students in these disciplines. The Campaign takes a wider view. It sees drawing as a basic human skill useful in all walks of life. The Campaign’s work will finish when the words ‘I can’t draw’ are dropped from our vocabulary.


The Big Draw and Power Drawing. Every October more than 1,500 venues, from village halls and nursery schools to national museums and castles, take part in the Campaign’s annual flagship event The Big Draw .

This month-long season spans art, science, design and the environment. It connects generations and communities.

Big Draw events show that drawing can be an enjoyable public activity, as well as a private passion.

Power Drawing is the Campaign’s year-round professional development programme, for teachers, other educators, artists and those interested in developing drawing in schools and cultural and community venues. Power Drawing publications show how drawing supports formal and informal learning. Power Drawing offers a range of courses to help you make the most of drawing in the classroom, in museums and galleries, and in your community.



Why not organise a Big Draw event? Find out how to organise an event, access resources and obtain guidance on planning from Campaign for Drawing ‘s website:

It’s not too late to register, add or edit your event details. If you are stuck for ideas, visit Drawing in Action for inspiring case studies. Once you’ve made your event description truly enticing, remember to check your copy on our listings section to avoid typos or inaccuracies.




In the picture: Sue Grayson and Eileen Adams of Campaign for Drawing.



For info:

The Campaign for Drawing

7 Gentleman’s Row, Enfield EN2 6PT – UK

Tel. 020 8351 1719





Disegnare ci aiuta a pensare, inventare e comunicare”: è il messaggio dell’Associazione ingese THE CAMPAIGN FOR DRAWING e delle sue iniziative: The Big Draw (ottobre) e Power Drawing.


Campaign for Drawing ha un unico obiettivo: fare in modo che tutti possano disegnare. Il disegno ci aiuta a pensare, inventare e comunicare, senza distinzione di età e capacità. Campaign for Drawing ha preso spunto iniziale dal visionario artista vittoriano e scrittore John Ruskin.

The Campaign for Drawing è un ente di beneficenza indipendente inglese (Charity) che sostiene l’attivita del disegno come strumento di pensiero, creatività, impegno sociale e culturale. Ha sviluppato due programmi per incoraggiare l’uso del disegno da parte di professionisti e di chiunque: il Big Draw e il Power Drawing.


Campaign for Drawing opera per creare una nuova concezione del disegno come mezzo per aiutare le persone a vedere, pensare, inventare e agire. La sua ambizione a lungo termine è quella di modificare il modo in cui l’attività del disegno viene percepita da chi opera nell’educazione e dal pubblico. Questo impegno ha ottenuto il sostegno da parte di professionisti leader nei settori creativi di arte, architettura e scuole di design, i quali lamentano un ritardo nella percezione del fatto che il disegno è fondamentale per la formazione degli studenti nelle varie discipline. Infatti, per Campaign for Drawing il disegno fa parte di quelle competenze di base utile in tutti i cammini della vita. Il lavoro di “Campaign for Drawing” potrà dirsi concluso quando saranno cancellate dal nostro vocabolario le parole “Non so disegnare”.




Ogni ottobre, in più di 1.500 sedi, dalle sale-incontro dei villaggi e dalle scuole materne fino ai musei nazionali e alle dimore storiche, moltissima gente partecipa alla manifestazione annuale di punta di Campaign for Drawing. E’ un lungo mese di eventi che si estendono all’arte, alla scienza, al design e all’ambiente, collegando le generazioni e le comunità. Il Big Draw dimostra che il disegno può essere una piacevole attività pubblica, così come una passione individuale.

Power Drawing è invece il programma annuale di sviluppo di Campaign for Drawing, si rivolge agli insegnanti, agli educatori, agli artisti e a quanti sono interessati allo sviluppo del disegno nelle scuole, nei centri, nelle comunità e nei luoghi di cultura. Le pubblicazioni di Power Drawing guidano nelle attività di disegno ed offrono supporti per l’insegnamento. Power Drawing offre una gamma di corsi per aiutare a disegnare a scuola, in musei e gallerie, e nella vostra comunità.


Partecipare al Big Draw. Perché non organizzare, a scuola o nel proprio territorio, un evento del Big Draw? Scoprite “come fare” navigando nel sito:

C’è ancora tempo per per iscriversi, aggiungere o modificare i dettagli del proprio evento sul sito:

Se siete a corto di idee, visitate sul sito citato la sezione “Drawing in Action” per spunti ed esempi di idee. Una volta che avete descritto l’evento in modo davvero “allettante”, ricordatevi di controllare i dati nella sezione annunci al fine di evitare errori di battitura o inesattezze.



Per informazioni:

The Campaign for Drawing

7 Gentleman’s Row, Enfield EN2 6PT – UK

Tel. 020 8351 1719




Montefalcone Valfortore (Benevento, Italia): una mostra fotografica ripercorre la straordinaria rappresentazione della “Via Crucis” che nell’aprile scorso ha mobilitato tutta la popolazione.

 Un evento nell’evento. La mostra fotografica allestitita presso il Centro Sociale (piazza Medaglia d’Oro) di Montefalcone Valfortore è davvero una singolare opportunità per rivivere momenti ed emozioni legati alla “Via Crucis Vivente” andata in scena lo scorso 23 aprile 2011. Una grande manifestazione di teatro e di popolo è infatti riproposta attraverso quasi duecento scatti che raccontano – anche a chi non ha avuto modo di presenziare all’evento – una straordinaria rappresentazione che, per una intero pomeriggio e buona parte della sera, ha visto un intero paese “fare teatro”. Non era la prima volta che Montefalcone ospitava le scene che raccontano gli ultimi istanti di vita di Gesù di Nazareth. La prima edizione si tenne nel 1978. Venne successivamente riproposta nel 1979, nel 1980, nel 1985 e nel 2001. Così, dopo dieci anni, l’idea è stata rilanciata, con grande consenso di pubblico.

Nel vedere le immagini esposte alla mostra, si ha una visione ovviamente parziale dell’evento che ha visto calcare le scene a cielo aperto circa duecento tra attori, figuranti, scenografi, tecnici, addetti alle luci ed alla fonica. Insomma, quasi un intero paese è sceso per le strade e le piazze, rappresentando le quattordici stazioni della via crucis, nella suggestiva cornice del centro storico di Montefalcone. Sia pure con le dovute differenze, la comunità fortorina è sembrata riecheggiare le atmosfere di analoghe manifestazioni che si tengono ad Oberammergau (Germania) e a Sordevolo (Vercelli) dove da tempo è messa in scena la “passione di Cristo”, coinvolgendo comunità e territori locali.

Non è stato facile compiere l’impresa. Ma a Montefalcone, quando Leonardo Agrella (alla regia), Chiara D’Alessio e Ireneo Calò – che hanno coordinato l’evento – hanno lanciato la sfida, l’Amministrazione Comunale e la Parrocchia di Santa Maria Assunta non si sono tirati indietro, decidendo di investire in un evento di sicura presa.

Mi racconta Leonardo Agrella, artigiano, appassionato di teatro e regista della“Via Crucis Vivente”, che incontro davanti alle immagini della mostra : “Tutto è partito il 20 gennaio scorso. Ed in soli tre mesi abbiamo davvero fatto…miracoli per allestire la rappresentazione. Abbiamo avuto subito il sostegno del sindaco dott.ssa Assunta Gizzi e del parroco don Annibale Di Stasio, che ha preso parte al team che ha elaborato la sceneggiatura e che ha curato la produzione. Tutte le settimane, da lunedi e venerdi, ci siamo trovati a progettare, redigire, preparare la messa in scena. Abbiamo provveduto al casting, con la scelta delle figure principali come Gesù (interpretato da Mario De Tomo), Pietro (Rocco Palazzi), Giuda (Christian Lucarelli), Giovanni (Dario Curcio) e Maria (Iolanda Picuccio). E poi la preparazione del Coro, la selezione dei brani musicali – tutti eseguiti dal vivo da un gruppo di musicisti -, le scenografie, il service acustico, la tecnica di scena. Insomma, un gran lavoro, tenendo presente che i vari movimenti coinvolgevano decine e decine di figuranti, il cosiddetto “popolo” “.

Un’attenzione particolare è stata posta sui costumi, che sono stati forniti dall’agenzia di Adriana Monaco, di Ariano Irpino, specializzata in abiti di scena. Va detto che nella sua prima edizione, nel ’78, la “Via Crucis Vivente” si svolse con i costumi che erano serviti alla produzione del celebre “Gesù” di Franco Zeffirelli, allora messi a disposizione da Michele Trotta, originario di Montefalcone. Oltre 160 i capi di vestiario – armature comprese – indossati il 23 aprile scorso dagli attori della sacra rappresentazione che, per ben cinque ore e mezzo, dalle 16 alle 21,30, si è snodata tra le architetture del paese sannita. Una grande folla, proveniente anche da altri paesi del Beneventano, ha partecipato alla messa in scena delle “stazioni” della “passione”, che si è conclusa nell’oscurità delle ore notturne sul colle che domina Montefalcone (Ngopp u Palazz). E sono effettivamente le scene della crocifissione – esaltate dall’ottimo allestimento delle luci – a risaltare nelle 180 immagini della mostra, curata da Fotografart di Foiano. Il percorso fotografico fa sorgere spontanea la domanda se la “ Via Crucis Vivente” verrà calendarizzata anche nel futuro. Leonardo Agrella esprime l’auspicio che si possa ripetere, magari a cadenza ciclica, ogni due o tre anni. Anche il sindaco Gizzi non nasconde l’idea che l’evento possa avere una scadenza fissa, trasformandosi in un appuntamento di sicuro richiamo del comune fortorino. Certo, è anche un problema di budget, risolto quest’anno grazie al sostegno degli sponsor, dei volontari, delle associazioni locali e di tanti amici e collaboratori che hanno sottoscritto un impegno preso in un fredda giornata di gennaio. A conti fatti, l’impresa è costata non più di 10 mila euro. Ed anche questo – anche a fronte degli eccellenti risultati – è un altro “miracolo” prodotto dalla voglia di fare e dall’entusiasmo della gente di Montefalcone.

Roberto Alborghetti




I’m Roberto Alborghetti, journalist, writer, photographer and visual artist. It has been a long time that I works on my project named “Lacer/Actions”, a research concerning ripped advertisings, torn papers and torn posters. I have taken thousands of pictures from city walls all over the world. Abstract and visionary images become art works, reproduced on canvas or other materials (textiles, paper, glass…) I think it’s a new “dimension of colors” that invites us to discover that in the reality “we may see things that we don’t even imagine”. In fact we find it difficult to think that behind faded and torn messages there may still be “something” to be seen or discovered. But these lacerated images continue to be a mirror of the talking city. For me, in the lacerated advertisings is recognizable the “unwrapped” city, self-destroying in the messages, self-regenerating and self-reproducing in new visual elements, often contradictory, dissonant, discordant, but still surprisingly vital.

Some of my “Lacer/Actions” artworks were shown in a booklet-portfolio that collects a very little selection of the images (about 30.000) that I took till…today. I’m also invited to lead workshops about my artworks. In July 2010, thirty thousand people visited my showcase “The Four Elements of LaceR/Actions” during the three days exhibition at Oriocenter (Milano Bergamo Orio Airport). My artworks are also taking part of experiences about sensorial and emotional perception (sinestesys) concerning kinesiologic tests.

I’m here, to share my adventure with you…


Sono Roberto Alborghetti, giornalista professionista, autore di saggi e biografie, fotografo, artista visuale. Ho creato il progetto “LACER/AZIONI”. Da anni ho l’hobby di “catturare”, in giro per il mondo, particolari e dettagli dell’apparente caos della carta lacerata delle affissioni. Ho raccolto migliaia di immagini che giocano a contaminarsi con stili, forme ed espressioni diversi. Trasferiti su tele, riprodotti su litografia o scansionati in un videoclip, i particolari delle lacerazioni pubblicitarie riprendono nuova vita e ragione di essere. Nel 2009 ho pubblicato un album-portfolio che raccoglie una ristretta selezione delle immagini – finora oltre 30.000 – impressionate in giro per il mondo nel corso della mia  ricerca dedicata ai particolari di quella che, appunto, chiamo la (pubbli)città strappata. L’attività collegata a questo progetto, mi ha visto tenere diversi workshops nelle scuole. Le immagini hanno inoltre suggerito la sperimentazione di test kinesiologici sugli effetti sensoriali e sinestetici. Nel luglio 2010 ho tenuto una mostra presso Oriocenter (Aeroporto di Bergamo Orio al Serio) visitata da oltre trentamila persone. Il tema dell’esposizione: “Acqua,Terra, Fuoco, Aria”. LACER/AZIONI è condiviso sul web attraverso MySpace, Artslant, Facebook, YouTube, BlipTv, WordPress. In una serie di videoclip – realizzati con il contributo musicale di artisti emergenti – il linguaggio delle immagini si fonde con quello della musica, originando a sua volta nuovi flussi e frammenti sonori e visivi. Una mia tela – intitolata “C’è del caos, ma con punto focale”, 42 x 62 cm – è stata scelta per il  nascente Museo di Arte Contemporanea di Mercatello sul Metauro (PU).